Ce dossier est l'œuvre du site jeuxvidéos.com et non la mienne, étant melomane, je ne pouvais m'empêcher de vous le poster en entier ici.
Merci à jeuxvidéos.com en tout cas pour ce dossier des plus complet qui nous fait découvrir la musique de jeux vidéos sous un tout nouvel angle.
Source : http://www.jeuxvideo.com/articles/0001/00011028_dossier.htm
Pour pouvoir écouter les extraits audio allez sur le lien donnez juste haut dessus
Le dossier est très très ..... très long mais va j'espère vous intéresser.




Depuis toujours, la musique a été l’un des moyens principaux pour communiquer des émotions. Des premières notes aux symphonies les plus abouties, elle fut utilisée pour véhiculer des messages parfois légers, mais d’autres fois d’une profondeur infinie. La musique fait souvent appel à nos souvenirs, nos peines et nos joies, afin de nous plonger dans la nostalgie, mais peut aussi nous inciter à danser ou chanter. Qu’elle rende heureux ou triste, la musique touche tous ceux qui peuvent l’entendre.
Les différentes facettes de la musique, et son universalité, la rendent primordiale dans tous les médias existants, et évidemment, le jeu vidéo ne pouvait pas déroger à cette règle. Dans ce dossier, nous allons ainsi traverser le temps pour nous rappeler comment la musique a pu évoluer dans ce monde de pixels, et nous allons revisiter les thèmes qui resteront gravés à jamais dans la mémoire des joueurs. Qui sont les plus grands compositeurs ? Quels jeux ont ouvert de nouvelles voies ? Quelles furent les évolutions les plus importantes ? Qui veut la peau de Roger Rabbit ? Mise à part la dernière, toutes ces questions, et bien d’autres encore, trouvent leur réponse dans ces prochaines pages. Et le tout en musique !





Remontons dans le temps pour mieux comprendre l’évolution de la musique dans les jeux vidéo. Les premières bornes d’arcade, dans les années 70, ne faisaient que des « bip » et des « blop ». La technologie de l’époque ne permettait pas de prouesses sonores, loin de là, et seul trois ou quatre sons différents pouvaient sortir de la machine, ce qui rendait difficile une éventuelle exploitation artistique. Pong, pour exemple, ne dispose d’aucune musique, et ne comporte que trois sons différents. C’est pourtant avec ces quelques sons que les premières mélodies verront le jour. En fait, au début, on peut plutôt parler de jingle, car en général ces petits thèmes ne duraient pas plus de cinq secondes et étaient utilisés en début et fin de partie ainsi qu’entre les niveaux. D’autres bornes, comme Donkey Kong, proposaient une musique de cinq secondes qui tournait en boucle, se répétant donc inlassablement pour le grand malheur des joueurs.



Donkey Kong (NES)

Techniquement, c’était aux développeurs de programmer les musiques directement dans une ligne de code, tout comme ils programmaient le reste du jeu, ce qui ne laissait pas vraiment de place à la création. D’une mélodie douteuse, ces sons avaient pourtant l’avantage de donner plus de caractère et de personnalité au jeu. C’était nécessaire pour les shoot’em up, qui se ressemblaient tous beaucoup (ex. Galaxian avait sa petite intro) et on peut même dire que certaines des intros les plus anciennes sont restées dans les mémoires, notamment celle de Pac-Man. Du coup, il devenait de plus en plus courant d’avoir une petite musique d’introduction à chaque début de partie, un peu comme une signature. De temps en temps, les développeurs utilisaient des morceaux de vieilles chansons tombées dans le domaine public, et donc, libres de droits (ex. La Cucaracha dans Roland In The Caves sur Amstrad CPC).



Galaxian et Pac-Man



Malheureusement, les jeux n’ont pas beaucoup gagné en qualité sonore dans les années 70 et tous ces petits « jingles » ont fini par se ressembler. Ils pouvaient parfois même devenir irritants pour le joueur, surtout quand ils signifiaient la énième mort du personnage. Il était évident que la musique dans les jeux vidéo était limitée par la technologie. D’un autre côté, les développeurs n’avaient pas encore l’intention d’introduire de grandes symphonies orchestrales dans leurs jeux, et les usagers jouaient surtout pour exploser de l’alien à grands coups de laser, préférant leur baladeur tout juste sorti en 1979 pour écouter de la musique. Heureusement pour tout le monde, les choses vont s’améliorer dans le futur.

Ce n’est pas l’arcade qui a aidé la musique à se développer dans le jeu vidéo, mais ce sont plutôt les consoles de salons dans les années 80. D’un point de vue sonore, la console qui a le plus marqué les esprits à l’époque est la NES. L’écart avec les machines de la génération précédente était flagrant, et la console permettait assez de tonalités différentes pour qu’on puisse vraiment parler de musique. Du coup, ce sont des compositeurs attitrés qui ont remplacé les développeurs dans la création de thèmes divers. Les jeux devenant souvent plus longs et plus variés, les compositions pouvaient enfin durer plus d’une minute et différaient selon les niveaux. L’arrivée de Super Mario Bros. en est le plus bel exemple, avec entre autres le thème principal ou le thème « underworld ». Même si les cinq morceaux qui l’accompagnent peuvent paraître peu aujourd’hui, il s’agissait à l’époque d’une grande nouveauté. Le monstrueux succès de Super Mario Bros. marqua
certainement un grand tournant dans la perception de la musique dans les jeux vidéo. Les thèmes collaient parfaitement à l’univers du plombier moustachu.



Super Mario Bros. (NES)


L’année suivante, le jeune compositeur du jeu Koji Kondo créa les morceaux épiques de The Legend Of Zelda, qui ont eux aussi traversé le temps pour naviguer dans les mémoires encore de nos jours. Un nouveau pas avait été franchi concernant les qualités artistiques des musiques, avec des thèmes encore plus longs, et simulant plus d’instruments. Les musiques de Metroid, Kid Icarus (Hirokazu Tanaka) ou encore Mega Man (Manami Matsumae et Yoshihiro Sakaguchi) deviendront aussi des emblèmes à la fin des années 80 en Europe, ainsi que celles de Final Fantasy (Nobuo Uematsu) et Dragon Quest (Koichi Sugiyama) au Japon. Devenant indispensables, et pouvant enfin véhiculer toutes sortes d’émotions, les musiques de jeux vidéo commencèrent à être appréciées pour leur mélodie, leurs qualités intrinsèques, hors de celles du jeu lui-même.


Metroid et Kid Icarus (NES)


Final Fantasy et Dragon Quest (NES)


Malgré les nettes améliorations des compositions musicales au fil des années 80, la technologie bridait encore la pleine expression artistique des compositeurs. Les sons devaient toujours être programmés dans le jeu, empêchant donc l’utilisation de vrais instruments. De plus, il était très courant d’avoir affaire à de bons gros bugs sonores bien baveux dans une partie. Les ralentissements par exemple, dus à un nombre de sprite massif à l’écran, affectaient la musique, ce qui arrivait régulièrement entre autres dans les beat’em all (Double Dragon…), ou les jeux d’action (Mega Man…). Parfois, la présence d’autres sons pouvait aussi gêner l’écoute, rendant des parties du titre joué inaudibles ou altérées de façon à en faire une bouillie indigeste pour nos pauvres esgourdes. Cela était dû au fait que la musique et le son du jeu devaient employer les mêmes canaux sonores.


Mega Man et Double Dragon (NES)


La Master System n'était pas non plus en reste, avec des thèmes musicaux qui sont restés gravés dans les mémoires de ceux qui avaient décidé d'opter pour la 8-bits de SEGA. Ces thèmes provenaient parfois de l'arcade (pas mal de jeux SMS consistaient en des portages de jeux sortis sur bornes d'arcade), mais nombre d'entre eux restent des compositions exclusives. Les références qui viennent à l'esprit sont aussi abondantes que variées, même si les musiques de la saga des Wonderboy et celles de Phantasy Star premier du nom comptent parmi les plus appréciées.


Wonder Boy in Monster Land (SMS)


Wonder Boy 3 : The Dragon's Trap (SMS)


Phantasy Star (SMS)


De leur côté, les consoles portables, qui ont envahi le marché fin 80/début 90, ne jouaient pas dans la même cour. Effectivement, leur but n’était pas de rivaliser avec les consoles de salon. La Game Boy et la Game Gear (bon, il y a aussi eu la Lynx…) avaient donc des capacités dignes de leur taille, et cela touchait fatalement le son. Malgré cela, ces deux consoles ont pu bénéficier de bonnes musiques même si les mélodies étaient souvent courtes et n’utilisaient que peu de sons différents, sans compter les ralentissements qui transformaient rapidement le tout en une belle cacophonie. Cela n’empêchera pas les musiques de Link's Awakening, par exemple, d’être acclamées par les fans.


The Legend Of Zelda : Link's Awakening (GB)


On notera à nouveau le retour des chansons folkloriques libres de droit, comme la musique « Type A » de Tetris, qui est un réarrangement par Hirokazu Tanaka de la vieille chanson russe Korobeyniki.


Tetris (GB)

Vers le milieu des années 80, de nouveaux ordinateurs sont arrivés sur le marché du jeu. L’Atari ST et l’Amiga sont tous deux apparus avec un gros potentiel au niveau sonore. Ces machines auront marqué par leurs programmes permettant des montages audio, à l’époque à la pointe de la technologie. De nombreux artistes comme Jean-Michel Jarre, Mike Oldfield ou Fat Boy Slim (ou encore les musiciens de la vague de l'EuroDance au début des années 90) utilisèrent d'ailleurs ces machines et leurs outils taillés pour les compositions électroniques. Exxos (futur Cryo Interactive) collabora d'ailleurs en 1988 avec Jean-Michel Jarre pour illustrer la musique d'introduction de L'Arche du Captain Blood, qui n'est autre qu'un remix d'un des morceaux de l'artiste (Ethnicolor, extrait de l'album Zoolook). Autre jeu Cryo, Dune proposa une excellente bande-son composée par Stéphane Picq, qui finit même par sortir sous la forme d'un album édité par Virgin.


L'Arche du Captain Blood (Amiga, ST)


Mais l’un des travaux les plus impressionnants est sans doute celui de David Whittaker pour Shadow Of The Beast de Psygnosis, utilisant des samples d’instruments d’une qualité jamais entendue à l’époque. Réputés pour leurs qualités artistiques, les jeux Psygnosis nous ont laissé de somptueuses bandes originales. Celle de Lemmings, par Jeroen Tel, est connue pour sa réutilisation de nombreuses chansons traditionnelles, particulièrement bien adaptées. Ce compositeur hollandais a aussi co-signé aux côtés de Tim Wright les musiques d’Agony, autre jeu Psygnosis où on incarne un hibou dans un shoot’em up horizontal.


Shadow of the Beast (Amiga)



Lemmings (SN)



Agony (Amiga)


Pas mal de jeux du studio Team 17, comme Superfrog, Alien Breed ou Body Blows, ont bénéficié des compositions d’Allister Brimble, à une époque où les Anglais étaient très présents dans les jeux vidéo. Un autre compositeur anglais connu à l’époque était Rob Hubbard, qui a fait la musique de Monty On The Run, ainsi qu’une nouvelle version du thème principal de Commando pour la version Commodore 64. Enfin, l’Allemand Chris Hülsbeck restera sans doute comme l'un des compositeurs les plus connus et les plus estimés. On citera bien entendu son travail sur la série des Turrican, ou encore sur Jim Power, mais aussi sa collaboration au fameux The Great Giana Sisters, un jeu qui était un pur plagiat de Super Mario Bros. en terme de gameplay, mais qui bénéficiait d’une musique de très bonne qualité, encore appréciée par les fans aujourd’hui.


Superfrog (Amiga), Alien Breed (Amiga) et Commando (Amstrad CPC)



Turrican II (Amiga), Jim Power (MD) et The Great Giana Sisters (DS)

L’arrivée des consoles 16-bits, à la toute fin des années 80, n’a pas tout de suite rimé avec un renouveau de l’environnement sonore. La PC Engine améliorait la qualité globale des sons, sans plus. La Megadrive, même si elle améliorait de nouveau les acquis, n’aura pas marqué par les compositions musicales de ses jeux, montrant sans doute que ce n’était pas la priorité de Sega à l’époque. Néanmoins, cela n’empêchera pas certains jeux comme ceux de la série des Golden Axe, des Streets of Rage, des Phantasy Star ou des Sonic the Hedgehog d’être appréciés entre autres pour leurs musiques.


Golden Axe (MD), Streets of Rage (MD), Streets of Rage II (MD) et Phantasy Star II (MD)


Sonic The Hedgehog (MD), Sonic the Hedgehog 2 (MD), Sonic 3 (MD) et Sonic & Knuckles (MD)


Heureusement pour les mélomanes, la Super Nintendo, sortie au début des années 90, provoquera un nouveau bond en avant de la qualité sonore. Ironie du sort, c’est une puce fabriquée par Sony (à l’époque, Nintendo et Sony était plutôt proches) qui permettra les compositions qui ont fait de cette console une légende. Super Mario World, Zelda 3 : A Link To The Past ou Super Castlevania IV seront les premiers à marquer les esprits par leur bande-son sur cette nouvelle console. Maintenant, chaque thème a son importance et doit se fondre à l’environnement du jeu quel que soit le niveau dans lequel le joueur se trouve, d’autant que les compositeurs sont beaucoup moins limités par la technique avec cette nouvelle console. Au fur et à mesure des années, avec la pratique, le talent artistique des créateurs est de plus en plus présent dans les productions.


Super Mario World (SN)


The Legend of Zelda : A Link to the Past


Néanmoins, c’est un compositeur inconnu jusque là, Hiroki Kikuta, qui aidera la musique de jeu vidéo à atteindre de nouveaux cieux avec la BO de Secret of Mana. Square prit clairement un risque en choisissant Kikuta, car ces compositions, alliant titres envoûtants et morceaux hystériques, pianos et percussions, larmes et sourires, étaient vraiment différentes de ce à quoi ressemblait la musique de jeu vidéo jusque là. Un nouveau palier artistique était franchi.


Secret of Mana (SN)


Final Fantasy VI sortait l’année suivante, accompagné de l’ouvrage qui est encore aujourd’hui considéré par beaucoup comme la plus belle de Nobuo Uematsu.


Final Fantasy VI (SN)


Mais les RPG ne sont pas les seuls jeux à toucher le cœur des joueurs. Fin 1994, Kenji Yamamoto et Minako Hamano signeront les musiques prenantes et volontairement inconfortables de Super Metroid, qui hantent encore le souvenir des joueurs. Aujourd’hui encore, la Super Nintendo est considérée par beaucoup de fans comme la console ayant bénéficié des meilleures compositions.

L’arrivée des consoles dites 32-bits au milieu des années 90 changea considérablement la donne pour nos tympans. L’arrivée de la Saturn et de la Playstation, deux consoles utilisant le format CD, fut une aubaine pour la qualité sonore des jeux. Plus question de programmer les sons dans le jeu pour en faire de la musique, les compositeurs pouvaient enfin créer avec de vrais instruments, et enregistrer le tout sur une piste lue pendant la partie. Certes, quelques essais avaient été effectués sur les 16-bits, mais le format cartouche rendait le résultat souvent désastreux. D’un coup, la qualité sonore des musiques dans un jeu vidéo égalait celle de la musique en générale. Sur Playstation, le CD de Ridge Racer (jeu qui faisait partie du line up de la console) pouvait être écouté sur une chaîne hi-fi. Ce fut le cas de beaucoup d’autres jeux sur la console de Sony.


Ridge Racer


Cependant, le format CD ne fait pas tout, il faut encore que les compositeurs tiennent la route. Heureusement, ces derniers n’attendaient que ça pour faire parler leur talent, et des jeux comme Castlevania : Symphony of the Night, ou la série des Final Fantasy vont à nouveau le prouver, tout comme Grandia (initialement sorti sur Saturn). La grande capacité de mémoire des CD permet d’y mettre beaucoup plus de titres qu’auparavant, apportant donc une plus grande diversité musicale. De plus, le fait d’utiliser de vrais instruments permet aux musiciens d’utiliser pleinement leur style habituel, personnalisant ainsi mieux l’univers global des jeux. Du coup, il devient plus évident, rien qu’à l’oreille, de faire la différence par exemple entre la musique créée pour un jeu de plates-formes et celle d’un jeu d’action. Une des plus belles preuves fut Metal Gear Solid, dont les compositions semblent tirées des meilleurs films d’espionnage.


Grandia (Saturn-PSOne)


Metal Gear Solid (PSOne)


De son côté, la Nintendo 64, qui utilisait encore des cartouches pour ses jeux, était fatalement limitée en terme de capacité de mémoire. La qualité ne pouvait que s’en ressentir. Mais Nintendo pouvait encore compter sur son compositeur Koji Kondo pour continuer sur sa série de chefs-d’œuvre. Ainsi, The Legend Of Zelda : Ocarina Of Time fut sublimé par une composition musicale hors du commun, même si beaucoup des thèmes sont souvent plus courts que ceux des jeux sortis sur les autres consoles de la même époque. L’expérience et le talent de Koji Kondo égalaient la technologie.


The Legend Of Zelda : Ocarina Of Time (N64)


Super Mario 64 (N64)


Les possesseurs de Saturn ont eu droit, eux aussi, à quelques perles musicales. On se souviendra notamment des thèmes de Shining Force III et de Shining the Holy Ark composés par Motoi Sakuraba, un compositeur talentueux sur lequel on reviendra un peu plus loin dans ce dossier. On pourrait citer aussi les musiques de la série Panzer Dragoon ou encore celles de Nights : Into Dreams dont le thème chanté était proposé en deux versions selon que l'on parvenait à obtenir ou non le meilleur score possible.


Shining Force III (Saturn)


Panzer Dragoon Saga (Saturn)


Terminons cette partie en évoquant le soft qui comporte sans doute les musiques les plus mémorables de la Dreamcast, à savoir Shenmue et sa suite. Une bande originale que l'on doit à plusieurs compositeurs parmi lesquels on ne sera pas surpris de retrouver Yuzo Koshiro, déjà cité pour son travail sur des jeux comme Streets of Rage, Shinobi, Ys ou ActRaiser. Les mélomanes se souviendront sans doute également pour longtemps des musiques de Skies of Arcadia composées par Yutaka Minobe et Tatsuyuki Maeda. Dans un tout autre style, la Dreamcast s'est aussi fait remarquer pour les musiques de Crazy Taxi et Jet Set Radio.


Skies of Arcadia (Dreamcast)


Shenmue (DC)

Depuis les années 2000, l’évolution technologique a plutôt privilégié les graphismes par rapport au son. Il n’y a pas eu de grands changements, en tout cas pas de ceux qui méritent le terme de « révolution ». Toutefois, la musique des jeux vidéo a profité de l’expérience accumulée, et surtout du fait que le jeu vidéo se soit élargi au grand public. L’influence du cinéma sur les jeux par exemple, n’aura pas touché que les scenarii. Effectivement, comme on aura déjà pu le voir avec Metal Gear Solid à la fin des années 90, les compositeurs vont commencer à s’inspirer des bandes originales des plus grands films pour leurs créations. Cela se ressent surtout sur les jeux dont la réalisation est elle-même inspirée par le cinéma, comme Splinter Cell. Les développeurs se mettent donc à faire appel à des compositeurs déjà reconnus pour leurs musiques de films, comme Harry Gregson-Williams qui a opéré sur Metal Gear Solid 2 : Sons of Liberty et sur les opus qui suivirent, Danny Elfman dans Fable, ou encore Tyler Bates (300, Watchmen, et une tripotée de films d’horreur) pour Rise Of The Argonauts. Du côté du petit écran, le compositeur de la série Battlestar Galactica Bear Mccreary s’est occupé de la bande originale du futur jeu Capcom Dark Void.


Splinter Cell, Fable, Rise of the Argonauts et Dark Void


En dehors du cinéma, certains musiciens se sont aussi prêtés au jeu. Outre Jean-Michel Jarre, dont nous avons évoqué plus haut la participation à L'Arche du Capitaine Blood, on pourrait aussi citer le travail du groupe de rock Nine Inch Nails sur Quake premier du nom. Stewart Copeland, le batteur du mythique groupe Police, fit un remarquable travail pour la bande originale du premier Spyro, en 1998.


Spyro the Dragon (PSOne)


Il s’occupa de plusieurs épisodes de la série par la suite. En 1999, la sortie de Omikron : Nomad Soul est indissociable du légendaire David Bowie, qui non seulement a composé plusieurs chansons pour le jeu, mais qui prête aussi son visage pour deux personnages, dont un chante lors de concerts illégaux. On peut aussi noter que Peter Gabriel a enregistré sa voix pour Myst IV, dans lequel apparaît une de ses chansons, Curtains. Le reste de la composition du jeu est l’œuvre de Jack Wall.


The Nomad Soul (PC)


L’utilisation d’orchestres symphoniques se fait aussi de plus en plus couramment. Déjà en 99, le jeu PC Outcast était accompagné des compositions de Lennie Moore, jouées par l’Orchestre Symphonique de Moscou. Cela est devenu chose courante dans les années 2000.


Outcast (PC)


Un autre adepte des orchestres philharmoniques émergea au 21ème siècle en la personne de Jesper Kyd. Le compositeur danois, connu pour ses créations plutôt sombres, a sévi entre autres sur la série des Hitman. Sa version de l’Ave Maria de Franz Schubert en est même devenue l’emblème. D’autres morceaux, comme l’incroyable Apocalypse de Hitman : Blood Money démontrent un talent hors du commun. Jesper Kyd est aussi le compositeur d’Assassin's Creed, ainsi que de Splinter Cell : Chaos Theory pour lequel il collabora avec le musicien electro brésilien Amon Tobin.


Hitman : Blood Money (PC)


Les jeux vidéo touchant de plus en plus de gens ces dernières années, beaucoup d’artistes de différents univers, comme la Pop, le Rap, ou le Rock, ont accepté que leurs titres soient exploités, voire ont composé des titres spécialement pour certains jeux (comme FIFA 09 récemment). Grâce à l’augmentation de la capacité de stockage des jeux (format CD puis DVD, DVD double couche, Blu-Ray), il est régulier d’avoir plus d’une centaine de morceaux sur un seul disque, facilitant la diversité. Pour donner une idée, Super Smash Bros Brawl, qui est pourtant un jeu de baston, dispose d’à peu près 250 musiques !


Super Smash Bros Brawl (Wii)

Au fur et à mesure de l’histoire, nous avons pu voir que la musique d’un jeu lui apportait une identité. La difficulté avec les jeux dits « d’arcade », qu’ils sortent sur borne ou console, est qu’étant destinés à des parties courtes, il n’est pas franchement facile d’installer une émotion par la musique. Les thèmes se doivent donc d’être terriblement accrocheurs et de s’adapter à la rapidité de l’action. Le rock (dans son sens large) est très souvent utilisé, ainsi que la techno. Le but est de mettre le joueur dans l’ambiance en deux notes et demie, pas le temps de se chauffer. Les jeux de tirs, comme les House of the Dead ou la série des Time Crisis sont deux bons exemples de musiques effrénées sur de l’action non-stop. Les jeux de courses arcades ont droit au même traitement, que ce soit Daytona USA ou les Ridge Racer, affublés d’une bande-son technoïde qui a drôlement mal vieilli. D’un autre côté, une composition classique de Beethoven aurait sans doute fait tâche, il faut bien l’avouer.


The House Of The Dead 2 (DC)


Time Crisis 4 (PS3)


Le style de jeux qui aura au final bénéficié des meilleures musiques concernant l’arcade reste pour beaucoup les shoot’em up, comme le jeu 1943 ou encore les Thunder Cross. Il serait fastidieux de citer tous les jeux du genre tant ils sortaient par paquets de cinquante il y a 20 ans. Mais en général, tous les shoot’em up a partir de la fin des années 80 avaient une musique particulièrement soignée, entraînante, et surtout reconnaissable rapidement. Dans les jeux d’arcade plus qu’ailleurs, c’est la singularité d’une musique qui est son atout le plus important, tant les jeux pouvaient se ressembler graphiquement.


Gradius (NES)


Ikaruga (GC)


Les jeux de baston étant toujours à la mode aujourd’hui, on peut vraiment noter l’évolution du style musical au cours des années. Néanmoins, cela ne veut pas dire que les plus anciens jeux ont les musiques les plus pourries. D’ailleurs, aujourd’hui encore, les musiques de Street Fighter II sont largement au dessus de la moyenne ! Le jeu faisant l’effort d’offrir un thème par personnage, en général inspiré par l’origine géographique de ce dernier d’où la flûte pour la musique de Chun Li, ou les percussions pour celle de Blanka. Les thèmes de Ryu, de Guile, et surtout de Vega (Balrog en version japonaise) sont sans doute considérés comme les meilleurs. Aujourd’hui, la série des SoulCalibur propose aussi de très bonnes musiques, mais qui sont en général plus inspirées de l’Asie (comme l’est le jeu tout entier d’ailleurs).


Soul Calibur IV


Street Fighter II (SN)

Aujourd’hui de moins en moins prisé, le jeu de plates-formes/action aura été le genre phare pendant près de quinze ans, sans doute aidé par ses deux mascottes Mario et Sonic, et la guerre médiatique et sociale les opposant. Ces deux jeux ont d’ailleurs participé à l’évolution de la musique dans le jeu vidéo. Super Mario Bros. fut le mur porteur des jeux de plates-formes, sur lequel beaucoup s’appuyèrent, et cela valait aussi pour sa bande-son. Super Mario Bros. 3 était très abouti, avec une musique adaptée à chaque carte du monde (de la bossa nova pour le monde 3 Water Land, un thème sombre pour le monde 8 Dark Land).


Super Mario Bros. 3 (NES)


Super Mario Land (GB)

C’est quelque chose qui reviendra dans la plupart des jeux de plates-formes par la suite et qu’on avait déjà vu dans Mega Man. Même les musiques de l’épisode Game Boy Super Mario Land furent un succès, la musique du premier stage étant largement la plus connue. S’opposant à la bonhomie d’un Mario, Sonic The Hedgehog utilisait des musiques plus rock et plus punchy, plus proche de l’esprit du hérisson bleu. Les musiques de Green Hill Zone, Marble Zone voire Star Light Zone restent sans doute les plus marquantes.


Sonic The Hedgehog (SMS)

La prolifique série des Mega Man a aussi apporté son lot de thèmes inoubliables. Les musiques sont particulièrement rythmées, et on a du mal à se défaire des mélodies une fois en tête. Les différents épisodes sont inégaux en qualité, mais Mega Man 2 est l’un des meilleurs. Le Boss Theme arrive à faire monter la pression (avec la barre d’énergie du Boss qui gonfle) en quelques notes. Heureusement d’ailleurs, car le thème est très court et constitue vite un loop de 13 secondes (mais comme en général le combat est encore plus court…). Le Dr Wily’s Stage 1 Theme est sans doute le plus connu de la série, furieux dès les premières notes. Mega Man X a sans doute la meilleure bande-son de la série dans son ensemble, le thème de Sigma se démarquant un peu.


Mega Man X (SN)


Mega Man 2 (NES)

Certains compositeurs ont su parfaitement s’adapter à l’environnement du jeu, comme c’est le cas de la série des Castlevania. Les morceaux gothiques de Super Castlevania IV font partie des plus réussis de la Super Nintendo. Le Simon’s Theme n’a sans doute pas d’égal pour démarrer une aventure. Le fait que l’orgue soit très bien émulé sur la Super Nintendo y est sans doute pour quelque chose. Les fans vous recommanderont sans hésiter les morceaux Vampire Killer et Bloody Tears, deux thèmes récurrents dans la série. Plus tard, Michiru Yamane crée la BO de Castlevania : Symphony Of The Night, considérée comme la meilleure de la série.


Super Castlevania IV (SN)


Castlevania : Symphony of the Night


Castlevania : Lament of Innocence (PS2)

Néanmoins, Super Metroid reste le jeu de plates-formes/action qui aura le mieux plongé le joueur dans son ambiance étrange, parfois dégoulinante, à travers ses musiques. Rien que l’écran-titre provoque des frissons. Les Metroid Prime ont gardé cet environnement sonore, même s’il est moins étouffant.


Super Metroid (SN)

Dans un style un peu à part, les musiques d’ActRaiser et sa suite ActRaiser II par Yuzo Koshiro ont considérablement participé au succès de ces deux jeux. Les derniers jeux de plates-formes/action optent pour une ambiance beaucoup plus calme et reposante, voire mélancolique. LittleBigPlanet, LostWinds et Braid ne vous surprendront pas par des riffs endiablés, c’est le moins que l’on puisse dire ! Ils ont toutefois réussi à marquer les joueurs grâce à leurs compositions originales et légères.


ActRaiser (SN)

A première vue, on pourrait penser que les jeux de sport n’ont pas vraiment besoin de musiques adaptées. C’est d’ailleurs ce qu’ont pensé les créateurs de jeux pendant longtemps. Début 90, un jeu de foot ou de basket avait souvent le même type de musique que les jeux d’action de l’époque, car ils avaient la même cible, que l’ont pourrait résumer en 15-25 ans, mâle. L’accompagnement sonore était tout sauf élaboré. A l’époque, la série des International Superstar Soccer (l’ancêtre des PES) était considérée comme la meilleure simulation de football. Cela ne l’empêchait pas d’avoir des musiques plutôt insupportables, chose qui a longtemps collé à la série, en comptant les Pro Evolution Soccer. Cela démontre que contrairement à la plupart des types de jeux, le jeu de sport accorde moins d’importance à la musique.


International Superstar Soccer (SN)

Cependant, une première révolution eut lieu avec un jeu de foot, FIFA 98 : En Route pour la Coupe du Monde, et son intro accompagnée du titre Song 2, de Blur. La chanson venait à peine de sortir, et elle était encore inconnue du grand public, mais les joueurs ont très vite voulu se renseigner sur ce morceau accrocheur (beaucoup de gens, ne sachant pas le titre, l’appelait « Woohoo » à l’époque d’ailleurs). Song 2 a été utilisé dans la pub du jeu, et on a fini par l’entendre un peu partout.

De son côté, la série de Konami a dû attendre Pro Evolution Soccer 2, 4 ans plus tard, pour avoir une intro digne de ce nom, avec We Will Rock You de Queen. Mais le choix des chansons n’est pas un hasard. Très souvent ce sont des artistes anglais (l’Angleterre étant le temple du ballon rond) qui sont choisis pour les soundtracks des jeux de foot, coutume qui demeure encore aujourd’hui. Les autres sports ont encore un train de retard à ce niveau, même si on peut remarquer que les musiques s’accordent de plus en plus avec le public visé. Du rap dans les jeux de basket, du rock alternatif pour les jeux de skate, ça fait un peu cliché, mais mine de rien, ça marche.


Pro Evolution Soccer 2 (PS2)

Les jeux de courses ont eux aussi mis du temps à choisir une thématique pour leurs musiques. Mais comme d’habitude, on peut trouver un jeu qui fut l’initiateur de la prise en compte de l’importance de la musique dans ce genre. En 1993, Rock N' Roll Racing est sorti avec sans doute la bande-son la plus ahurissante jamais entendue à l’époque. Même sans être fan de heavy metal, les guitares des Black Sabbath ou de Steppenwolf ne peuvent laisser insensible.


Rock N' Roll Racing (SN)

En 1995, WipEout et ses morceaux techno (ok, c’est un autre style) firent un carton à travers le Monde. Avec l’univers futuriste du jeu, la musique électronique collait parfaitement. Plus tard, les Gran Turismo ont, dès le premier opus, mis un accent clair sur les morceaux, pourtant d’artistes souvent underground (Le morceau de Ash – Lose Control du premier opus a laissé des souvenirs chez beaucoup de joueurs). Gran Turismo 4 quant à lui, à dépoussiéré quelques vieux titres comme Oh yeah de Yello, qui date de 1985 (le morceau est joué quand on rate une épreuve de permis).


Gran Turismo 4 (PS2)


WipEout HD (PS3)

S’il y a bien un genre de jeux qui nous aura offert toutes sortes d’émotions grâce à ses musiques, c’est bien les jeux d’aventure/RPG. La sortie de The Legend Of Zelda en 1986, qui aura vraiment lancé le jeu d’aventure sur console, fut accompagnée des musiques de Koji Kondo. Le thème principal, sans doute l’un des plus connus du jeu vidéo, se montre épique dès les premières notes. Beaucoup de sons du jeu auront été réutilisés. Le jingle de découverte d’un secret a suivi tous les épisodes de la série et la musique de la flûte est la même dans Super Mario Bros 3.


The Legend of Zelda (NES)

Toujours en 1986, Koichi Sugiyama signa les compositions classiques de Dragon Quest. Au Japon, la série aura permis l’éclosion du RPG console, dont beaucoup se sont inspirés. Malheureusement, pauvres Européens que nous sommes, nous avons dû attendre Dragon Quest VIII en 2006 (!!!) pour avoir le droit d’entendre les magnifiques musiques de Sugiyama, toujours fidèle à la série puisqu’il en est encore l’unique compositeur aujourd’hui, 23 ans après le premier opus.


Dragon Quest VI (SN)

1986 fut une incroyable année pour les RPG/aventure, mais 1987 n’est pas en reste. Personne n’avait vu venir le succès de Final Fantasy, censé être le dernier jeu de Square qui était proche de la banqueroute. Mais, sans doute aidé par le succès de Dragon Quest l’année passée, le jeu fut un véritable hit et lança la carrière de Nobuo Uematsu. Certains morceaux du premier Final Fantasy poursuivront la série, notamment le fameux "Prelude" (Crystal Theme) ou le "Victory Fanfare".


Final Fantasy (NES)

Néanmoins, c’est à partir de Final Fantasy III et Final Fantasy IV que Nobuo Uematsu enchaînera les chefs-d’œuvre musicaux qui ont fait de la série un succès. Le plus impressionnant en fait, c’est que chaque épisode de la série possède des thèmes forts, et les fans ont souvent du mal à dire quel est leur titre préféré. Lors de l’arrivée en Europe de la série, avec Final Fantasy VII, les Européens sont eux aussi tombés sous le charme. Le Aerith Theme accompagne sûrement l’un des moments les plus marquants et les plus touchants du jeu vidéo, et aura fait couler quelques larmes (même si beaucoup ne l’avoueront pas). Toute la mégalomanie de Sephiroth atteint son paroxysme dans le thème One Winged Angel. Il y a tellement d’excellents morceaux dans la saga qu’il faudrait un dossier entier pour les traiter efficacement.


Final Fantasy VII (PSOne)

Mais les musiques de la série Final Fantasy ne s'arrêtent pas aux composition de Nobuo Uematsu. Après avoir fait ses preuves sur des jeux comme Ogre Battle et Tactics Ogre, Hitoshi Sakimoto s'attaque à la bande-son de Final Fantasy Tactics, dans un style beaucoup plus épique que celui de Uematsu. Il enchaînera avec Vagrant Story, Radiant Silvergun et Final Fantasy XII, tout en continuant d'oeuvrer sur les Final Fantasy Tactics Advance. Il est également le compositeur des OST de Valkyria Chronicles, Odin Sphere et Muramasa : The Demon Blade.


Final Fantasy Tactics (PSOne)


Muramasa : The Demon Blade (Wii)

Alors que les Zelda, Dragon Quest et Final Fantasy continuent d’enchanter les joueurs, d’autres jeux réussiront à franchir de nouvelles étapes, ou à explorer de nouveaux horizons. Lorsque Hiroki Kikuta fut recruté par Squaresoft, il était un parfait inconnu. Le premier jeu pour lequel il a travaillé fut Seiken Densetsu 2, plus connu chez nous sous le nom de Secret Of Mana. Non seulement Kikuta se révéla être un compositeur de génie, mais il a aussi parfaitement su utiliser les capacités de la console pour en tirer son nectar le plus pur. Sous un mélange de percussions, de piano, et de flûtes, les thèmes de Secret Of Mana signent une originalité étonnante, très loin de ce qu’on avait pu entendre précédemment, et de ce qu’on a pu entendre par la suite. Personne n’a oublié le thème d’intro Angel’s Fear, mélodie envoûtante et mélancolique, le Crystal Forest Theme, ou encore le ténébreux Dark Lich Theme, ainsi que d’autres morceaux accrocheurs, bien qu’expérimentaux.


Secret of Mana (SN)

La Super Nintendo a bénéficié d’un bon nombre de jeux de rôle de très grande qualité entre 1993 et 1996, pour la plupart accompagnés de superbes compositions. Outre les sorties répétées des éternels Final Fantasy et Dragon Quest, Chrono Trigger eut le droit à une bande-son d’influences variées, composée par Yasunori Mitsuda, qui réalisait alors sa première composition de jeu (il était avant cela ingénieur du son, sur des titres comme Secret Of Mana). Après ce début remarquable, il continua d’ailleurs à travailler pour Square en tant que compositeur.


Chrono Trigger (SN)

Il s’occupa par la suite des musiques de Chrono Cross, une réalisation aux influences européennes étonnantes, utilisant régulièrement la flûte, ou encore, les percussions. Chrono Cross est sans doute le travail le plus abouti de Mitsuda à ce jour. D’autres jeux ont lancés la carrière de musiciens jusqu’alors inconnus, comme Secret Of Evermore, dont les musiques furent composées par un tout jeune Jeremy Soule, qui avait envoyé une démo a Square (on reparlera de lui plus tard).


Secret of Evermore (SN)


Chrono Cross (PSOne)

Aujourd’hui, les jeux d’aventure/RPG font clairement partie de ceux qui ont le plus besoin de la musique pour transporter les joueurs dans leur univers. La grande compositrice Yoko Shimomura est une des icônes en ce domaine, ayant travaillé sur la série des Kingdom Hearts, ainsi que les RPG Mario (Super Mario RPG, Mario & Luigi), ou encore Parasite Eve. Son talent, qui n’était déjà plus à prouver, a su attirer de nombreux fans qui la considèrent comme la plus accomplie dans le domaine du RPG. C'est à elle que l'on doit la plupart des OST de la série des Mana (Legend of Mana, Heroes of Mana...), mais aussi la superbe bande-son de Gargoyle's Quest sur Gameboy. Yoko Shimomura avait pourtant débuté dans un tout autre style, puisqu’elle avait co-réalisé les (excellentes) musiques de Street Fighter II. La dame aura même la responsabilité d'assurer la composition des musiques du très attendu Final Fantasy Versus XIII.


Kingdom Hearts (PS2)

Dans la famille des compositrices éclectiques, on a aussi Miki Higashino, qui a commencé comme compositrice des shoot’em up de Konami avant de s’atteler aux deux premiers Suikoden. Suikoden II, un de ses derniers travaux est sans doute sa plus grande réussite. Elle y a composé plus de 100 morceaux (deux fois plus que Suikoden I), dont notamment le thème du combat contre Gothic Neclord qui cumule une intro ravageuse typique des meilleurs Fight Theme à orgue du style de Castlevania. Sans doute un des meilleurs Boss Theme.


Suikoden II (PSOne)

Sur Playstation 2 l’univers unique d’Ico et de sa suite spirituelle Shadow Of The Colossus est sans doute autant dû à leur créateur Fumito Ueda, qu’à leur environnement sonore tout simplement renversant, au point qu’on ne voudrait jamais quitter leur monde magique. Les compositions de Ko Otani pour Shadow Of The Colossus font parties certainement des plus belles et épiques jamais réalisées à ce jour. Ces derniers temps, Fable et Fable 2 ont bénéficié d’une attention toute particulière quant à la musique, réalisée par Danny Elfman, grand nom du cinéma.


ICO (PS2)


Shadow of the Colossus (PS2)

Mais on pourrait aussi citer Okami, dont les musiques finissent de nous plonger dans ce conte issu du folklore japonais, ou encore le prolifique compositeur Motoi Sakuraba qui est le compositeur de séries prestigieuses comme les Star Ocean, les Baten Kaitos, ou les Tales Of.


Okami (PS2)


Baten Kaitos (GC)

Les jeux d’aventure/RPG sur ordinateur se distinguent énormément de leur équivalent sur console. Tout d’abord, les RPG consoles sont en grande partie réalisés par des boîtes japonaises, alors que sur PC, le genre a surtout connu un essor outre-Atlantique et se rapproche plus des règles de Dungeons & Dragons. Fatalement, l’univers plus sombre des jeux PC a un impact sur leur bande originale. C’est le cas des compositions de Michael Hoenig pour les deux Baldur's Gate, toutes sublimes, mais d’un style bien différent des RPG nippons. L’atmosphère qui se dégage de la bande-son de Diablo est d’une noirceur rare, grâce à des thèmes longs, profonds, comme le Tristram Theme pour ne citer que celui-ci. De son côté, Mark Morgan composera de magnifiques thèmes très atmosphériques et très angoissants pour Fallout et Fallout 2. Plus récemment, on a pu apprécier les orchestrations de The Witcher, de très bonne facture.


Baldur's Gate II (PC)


Diablo (PC)


Fallout (PC)

Cependant, un compositeur aura réussi tant dans le RPG console que PC. En effet, Jeremy Soule, déjà auteur de la BO de Secret Of Evermore, a aussi réalisé The Elder's Scrolls III : Morrowind, et The Elder's Scroll IV : Oblivion, qui sont ses deux travaux les plus connus. Les thèmes épiques se succèdent les uns aux autres, plongeant le joueur dans sa longue quête. Le jeune prodige américain est aussi le compositeur d’Icewind Dale, KOTOR ou encore Neverwinter Nights. Il est souvent comparé à John Williams et il ne serait pas étonnant de le voir aux crédits des plus grands blockbusters dans les prochaines années.


The Elder's Scrolls IV : Oblivion (PC)


Star Wars : KOTOR (Xbox)


Neverwinter Nights (PC)

Jeremy Soule est aussi l’auteur de musiques de Guild Wars et de ses extensions. En règle générale, l'ambiance sonore des MMORPG revêt une importance particulière dans la mesure où la plupart d'entre eux consistent à éliminer des monstres à la chaîne durant de longues sessions de jeu. L'ambiance sonore se doit donc d'être à la hauteur, sous peine de finir par couper la musique ou par se taper la tête contre les murs. Si le constat est inégal, certains jeux ressortent pour leurs thèmes musicaux très réussis. On retiendra les magnifiques compositions de Linda Karpman pour Everquest II, ou encore la bande-son de World Of Warcraft, qui aura contribué au succès planétaire du jeu.


Guild Wars (PC)


World of Warcraft (PC)

Quelquefois, en dehors de la qualité des compositions d’un jeu, certaines idées auront révolutionné la façon de créer les musiques, et de les adapter à l’action. Les jeux d’aventure de LucasArts en sont le meilleur exemple. Au début des années 90, le compositeur Michael Land, cherchait un moyen pour que les musiques qu’il créait soient parfaitement en phase avec les événements en cours dans le jeu. Il décida de développer avec Peter McConnell un moteur audio nommé iMUSE. Ce système permet de passer d’une musique à une autre sans véritable transition apparente, pour passer par exemple d’une musique douce à une musique plus énergique. Dans d’autres cas, la mélodie de départ incorpore de plus en plus d’instruments, au fur et à mesure des actions du personnage principal, ou des événements qui se produisent autour de lui. iMUSE a été utilisé dans tous les jeux d’aventure de LucasArts depuis 1991, à commencer par Monkey Island 2 (et les épisodes suivants), ainsi que Full Throttle, ou encore Grim Fandango. Le système étant une marque déposée par LucasArts, il n’a pu être utilisé que dans les jeux de la boîte, mais des systèmes quelque peu similaires ont été créés dans d’autres jeux, s’inspirant d’iMUSE (les effets de fade dans Shadow Of The Colossus par exemple).


Monkey Island 2 (PC)


Grim Fandango et Full Throttle (PC)

Les FPS ne sont arrivés qu’au tout début des années 90, et n’auront donc pas pu connaître cette joyeuse époque des « Bip » et des « Blop ». Les premiers FPS n’ont cependant pas vraiment mis l’accent sur la musique. En 1997, l’excellent Goldeneye 007 avait séduit par son gameplay étonnant nécessitant une grande discrétion aux antipodes de ce qu’on pouvait voir dans Doom. En plus des nombreuses compositions originales inspirées de la saga de Ian Fleming, la musique du générique a été réutilisée dans le jeu, facilitant l’immersion. De quoi se prendre pour l’agent secret britannique. Ensuite, Rare créera Perfect Dark, autre jeu mythique pour son gameplay, et dont les musiques restent du même acabit, puisque toujours composées par le duo Grant Kirkhope et Graeme Norgate. Plus tard, sur Xbox, la série des Halo aura sans doute la bande-son la plus poussée du genre, grâce à des compositions classiques grandioses encore une fois inspirées du cinéma.


Halo 3 (360)


GoldenEye (N64)

Évidemment, les FPS auront surtout fait le bonheur des joueurs PC, qui croulent sous le nombre faramineux de titres du genre. Les compositions de Doom ont un côté sombre, qui se ressent tout au long de la série, tandis que Quake est connu pour ses musiques rock metal puissantes, tout à fait en adéquation avec le côté quelque peu bourrin du jeu (et c’est un doux euphémisme). Mais les bandes-sons de FPS sont parfois plus décalées, comme dans les jeux de Monolith Software : en témoigne la musique de l'horrifique Blood, composée par une poignée d'artistes sous acide, ou encore celle de No One Lives Forever, qui se veut très James Bondesque pour parodier les films d’espionnage. Certains FPS se démarquent de leurs concurrents comme la série des Hexen/Heretic de Raven Software, dont tous les titres ont été composés par le seul Kevin Schilder, musicien de jazz de formation. La série ayant une ambiance très particulière, il lui fallait une bande originale à la hauteur, ce qu’a très bien réussi Schilder.


Quake III Arena (PC)


No One Lives Forever 2 (PC)


Heretic II (PC)et Hexen (N64)

Parfois, le FPS requiert du joueur une grande concentration, notamment en ce qui concerne les bruits qui l’entourent. De ce fait, la musique se doit d’être discrète, voire même absente, comme c’est le cas dans la majorité des passages de Deus Ex ou encore Half-Life. D’un autre côté, cela aide grandement à renforcer l’immersion comme dans le terrifiant (et sous-estimé) System Shock 2. Récemment, l’excellent Left 4 Dead, très influencé par les films de zombies, jouit d’une composition musicale tout à fait appropriée et parfaitement adaptée à l’action en cours. Elle est même indispensable au gameplay car elle permet de deviner à l’avance une douloureuse rencontre, comme le perturbant thème de la Witch, ou encore, celui du Tank.


Deus Ex (PC)


Half-Life 2 (PC)


Left 4 Dead (PC)

En ce qui concerne les Third Person Shooter, on peut pratiquement dire qu’il y a eu un avant, et un après Metal Gear Solid. Ce jeu d’espionnage qui mettait clairement en avant la discrétion et le camouflage était autant révolutionnaire par sa bande-son que par son gameplay. La musique est un atout majeur pour un jeu dont la réalisation et la mise en scène sont mises en avant à chaque minute. Pas un seul épisode de la série ne souffrira d’une baisse de qualité de ses compositions, offrant notamment des thèmes de fin chantés. Le Main Theme du premier opus appartient maintenant au panthéon du jeu vidéo.


Metal Gear Solid (PSOne)

La série des Splinter Cell a eu le droit à un traitement similaire concernant la musique, avec un rapprochement encore plus prononcé du monde du cinéma. Enfin, les symphonies de Jason Graves, pour le jeu Dead Space ont également eu droit aux meilleures compositions, d’autant que le reste de la bande-son, comprenant aussi les différents effets sonores, est d’une réussite extraordinaire facilitant grandement l’immersion de ce survival-horror dans l’espace.


Splinter Cell Double Agent (PC)


Dead Space (PS3)

En 2001, la sortie de Grand Theft Auto III, et de ses radios, fut un véritable succès. Là encore, le gameplay du jeu était déjà révolutionnaire, et suffisait à lui seul pour marquer un tournant dans le jeu vidéo. Mais l’idée d’avoir des radios (déjà entrevue dans les premiers opus) ayant chacune un style de musique différent, était un virage important pour la musique dans les jeux. La première chose que faisait la plupart des joueurs quand ils trouvaient (bon… ok… volaient) une nouvelle voiture était de mettre leur radio préférée. Dans les opus suivants, Rockstar a amélioré ce concept, avec des playlists allongées, des présentateurs, des pubs, etc… De plus, Vice City et San Andreas ont des playlists adaptées à l’époque où se passe leur histoire (1986 et 1992, respectivement). Ces deux opus gagnent donc un aspect nostalgique indéniable, que personne n’aura oublié, et qui aura participé au succès de la série. Du coup, tous les GTA-Like qui sont sortis par la suite ont repris ce concept de radios, maintenant indispensable au genre.


Grand Theft Auto III (PS2)

Les jeux de réflexion sont encore une fois la preuve que la musique a vraiment son importance dans tous les types de jeu. Alors que le principe d’un jeu de réflexion peut parfois tenir sur un post-it, les parties peuvent elles durer des heures et des heures, surtout pour les plus acharnés d’entre nous. Du coup, la musique d’accompagnement se doit d’être agréable, et surtout discrète, pour ne pas déconcentrer le joueur. Evidemment, quand on pense aux musiques de jeux de réflexion, on pense immédiatement à Tetris, sorti sur Game Boy en 1989. Le A-Type Theme (autrement appelé Tetris Theme) est sans aucune contestation l’un des morceaux les plus connus du jeu vidéo, bien que comme nous l’avions dit précédemment, il s’agissait d’un arrangement par Hirokazu Tanaka de la chanson folklorique russe Korobeyniki.


Tetris (GB)

Le réarrangement de chansons tombées dans le domaine public est chose courante pour les jeux de réflexion. Effectivement, les développeurs font rarement appel à des compositeurs, et préfèrent des musiques d’ambiance, en général, issues du classique. C’est le cas par exemple des musiques des Scrabble sur PC ou Nintendo DS. On a donc droit à des morceaux que tout le monde connaît (souvent sans savoir le titre d’ailleurs), et qui passent de façon naturelle à l’écoute. Ca peut être Moonlight Sonata, tout comme ça peut être du Beethoven ou encore Jean-Sébastien Bach. Du coup, le joueur n’est pas perturbé et peut garder toute sa concentration. On retrouve notamment une très belle version de la Sonate au Clair de Lune en introduction du jeu Echo Night Beyond, et de nombreux thèmes classiques dans Little King's Story.


Little King's Story (Wii)


Echo Night Beyond (PS2)

Toutefois, certains jeux de réflexion, notamment ceux qui nécessitent une rapidité d’exécution, peuvent avoir des musiques plus enjouées, voire mêmes volontairement stressantes. L’univers Mario-esque de Wario's Wood, et ses parties en mode versus qui peuvent être endiablées, ne pouvait pas être accompagné d’une douce musique de chambre. Les morceaux y sont plus pêchus, quelquefois rock. Dans d’autres jeux, la musique s’accélère ou change pour une musique plus stressante quand le temps est presque écoulé, ou quand l’ombre de la défaite plane, comme c’est le cas dans Devil Dice. Ceci bien sûr afin de mettre la pression sur le joueur, qui n’en demandait pas tant d’ailleurs. Evidemment, dans ce cas typique, la musique a un rôle très important, car il impose un rythme à la partie, séparant parfaitement les phases calmes et les phases de « stress ».


Devil Dice (PSOne)


Wario's Woods (SN)

Les plus récents jeux de réflexion semblent opter pour une musique directement liée à l’action en cours. Pour Meteos, et encore plus pour Lumines, les différentes actions du joueur produisent des sons qui s’incorporent à la mélodie. Dans le cas de Lumines, il y a même un métronome, qui, même s’il sert avant tout pour le gameplay, sert aussi à cadencer les sons pour une parfaite rythmique. Le système rend les thèmes de Lumines plus expérimentaux, car très dépendants des actions du joueur, mais aussi bien plus originaux que la plupart de ces concurrents.